Trois œuvres de trois artistes différents allient matériau unique et monumentalité: quatre kilomètres de scotch noir pour un gigantesque dessin dans l’espace (Polyeder de Monika Grzymala); de simples tiges et boules d’acier mais assemblées en une constellation de plus de 3 x 10 x 6 mètres (Firmament III d’Antony Gormley); des chambres à air récupérées et découpées mais étalées sur toute la surface de la cour et rassemblées pour faire une boule d’une tonne (Grow de Pierre-Étienne Morelle).
Dans ces trois œuvres, la monumentalité opère un retour au corps humain: chez Anthony Gormley, on devine la forme d’un homme endormi au milieu de la constellation; chez Monika Grzymala qui réalise seule ses pièces, le corps est engagé de même que chez Pierre-Étienne Morelle qui met à l’épreuve ses capacités physiques en s’épuisant à découper des chambres à air pendant trois mois.
La part de l’humain renvoie à la question de la mesure du temps abordée par l’exposition. En Occident le temps du calendrier grégorien est basé sur le cycle du Soleil. Mais ce choix étant arbitraire, les cycles du corps pourraient aussi bien servir de modèle. Dans cette hypothèse, Benoît Billotte dessine à la craie un graphique de l’activité magnétique du Soleil des deux cent cinquante ans dernières années (un temps infiniment court à l’échelle de l’univers). Au contraire des graphiques scientifiques, les abscisses et ordonnées n’apparaissant pas, l’œuvre Sunline pourrait aussi bien être un graphique médical d’un des nombreux cycles du corps humain.
Du côté du temps linéaire, catastrophiste, on trouve Werner Herzog et Pratchaya Phinthong.
Le film Lessons of Darkness, de Werner Herzog, est tourné dans le décor apocalyptique de l’après-guerre du Golfe consécutive à l’invasion du Koweit par l’Irak: des plans pris d’hélicoptère montrent un paysage désolé ponctué de lacs de pétrole et de tornades de feu.
Pratchaya Phinthong recopie sur un mur à l’encre éphémère le texte d’un blog annonçant des expériences au sein de l’accélérateur de particules du CERN ayant pour but la téléportation d’une partie de la population mondiale sur Mars en prévision de la collision, en 2017, d’une autre planète sur la Terre.
Helligenstein de Corey McCorkle, une découpe en biseau une circonférence de deux mètres de diamètre dans une cloison placée devant une fenêtre, laisse entrer la lumière du jour et évolue ainsi au cours de la journée, de manière cyclique, jusqu’à «s’éteindre» la nuit pour se «rallumer» au matin. Elle fonctionne de plus en trompe-l’œil: en entrant dans la salle obscure qu’elle occupe, on pense d’abord à un néon circulaire avant d’identifier la circonférence dans le mur: une absence d’immédiateté remarquable malgré sa simplicité, qui permet à l’esprit et aux sens de divaguer de l’auratique au pragmatique.
Helligenstein convoque donc toutes sortes d’idées et de représentations, de même que Naufragio en silencio d’Inaki Bonillas — 35 lignes dessinées au cordon bleu, encadrées et accrochées à la suite — notamment parce qu’elles sont toutes deux minimales. On sait en effet, et Corey McCorkle comme Inaki Bonillas les premiers, que créer une œuvre minimale qui n’évoque rien d’autre qu’elle-même est une gageure, que tout objet «nous regarde» et évoque immanquablement d’autres objets ou idées à son spectateur.
Ainsi, entre autres choses, l’œuvre d’Inaki Bonillas peut évoquer une ligne du temps discontinue: la ligne court d’un cadre à l’autre mais est interrompue par l’espace entre ces derniers.
Ou encore, cette ligne bleue peut évoquer un fleuve, et le cercle de lumière de Corey McCorkle, une éclipse solaire. On peut y voir des catastrophes naturelles potentielles (la crue du fleuve ou le naufragio lors d’une tempête, et l’extinction du Soleil), et imaginer une allusion à l’augmentation récente de ces dernières à l’origine des théories apocalyptiques actuelles, comme celle présentée dans l’œuvre de Pratchaya Phinthong.
En donnant des réponses poétiques à des questions scientifiques, l’exposition cultive la réflexion sur le temps et pousse à poursuivre la discussion grâce à la dernière œuvre, Temps (parlé), permanente et immatérielle, d’Ian Wilson, qui consiste en une instruction de l’artiste aux médiateurs: répondre aux visiteurs qui poseraient la question «En quoi consiste “Temps” ?» par «C’est le mot “temps” parlé».
— Benoît Billotte, Sunline, 2011. Craie sur peinture ardoise. 120 x 1014 cm
— Iñaki Bonillas, Naufragio en silencio, 2007. 35 dessins réalisés au cordon bleu sur papier. 30,5 x 63 x 2 cm chaque dessin encadré
— Antony Gormley, Firmament III, 2009. Eléments en acier inoxydable. 381 x 1094,2 x 697 cm
— Monika Grzymala, Polyeder/Polyhedron, 2011. Dessin tridimensionnel in situ. Ruban adhésif noir mat
— Werner Herzog, Lessons of Darkness, 1992. Film 16 mm transféré sur DVD, N&B, couleur. 55’
— Corey McCorkle, Helligenstein, 2005. Installation murale, bois et lumière naturelle. Diamètre: 200 cm
— Pierre-Étienne Morelle, Grow, 2008-2010. Chambres à air en caoutchouc. Dimensions variables
— Pratchaya Phinthong, 2017, 2009. Peinture murale à l’encre disparaissant avec le temps. Diamètre: 241 cm
— Ian Wilson, Time (spoken), 1982. Performance orale
parisART sur Instagram