Ce qui retient mon attention

François Brunet
Ce qui retient mon attention

Pour cette exposition, François Brunet présente une suite de peintures mettant en exergue les notions de saturation, d’évidement et de disparition inhérentes à la vie d’un objet. Il capte les traces de visions imaginaires et observées dans son environnement, et mêle la rigueur d’une construction mentale à l’incarnation de couleurs pures et fondues.

Ainsi, le travail pictural de François Brunet donne la part belle aux associations, à la divagation et à l’imprégnation. Il utilise le cadrage et la déclinaison de formats des supports, pour se laisser surprendre par les surfaces et altérer notre appréhension de l’espace. La couleur est aussi un élément important de son travail, la décantation de gammes chromatiques est parfois violentée par une absurde apparition de trouées blanches et de percées noires, rompant avec le sublime d’une première appréhension.

Les architectures sont représentées dans ses œuvres, sous forme d’une imbrication, de motifs isolés, tronqués, cernés avec incertitude; elles sont révélatrices d’un langage, d’une présence. Chez François Brunet, la mémoire est subjective, elle est affaire de sélection. A la fois délectable et délayable, elle se donne comme un mystère, un seuil à traverser.

Entretien avec François Brunet
L.C.B: Pourriez-vous nous décrire cette nouvelle série, Ce qui retient mon attention?

F.B: Ce sont des tableaux aux formats différents les uns des autres où s’hybrident des notions de paysage, de constructions, d’histoire de la peinture et d’interrogations portées à nos modes de représentation.

L.C.B: Les toiles présentées s’articulent notamment par une apparente diversité chromatique et une composition variée structurelles de recherches picturales itératives. Nous pouvons développer cette remarque par les similitudes entre Ce qui retient mon attention et Sol non balayé, vie silencieuse, nature morte — votre précédente série. Aujourd’hui, quels sont vos enjeux lors de la création de vos œuvres?

F. B: Un des enjeux est de respecter le concept d’in-transposable en art, d’ailleurs lors de la phase de création je ne sais pas où je vais. Je trouve très intéressante l’idée que mes œuvres puissent nous laisser sur une ambiguïté signifiante d’où chez moi une attention portée à ce que peut la représentation et/ou l’abstraction.

L.C.B: Le titre de votre série semble affirmer que votre rapport au monde, à l’altérité, est un élément initiateur de vos créations…

F.B: Le titre générique de cette suite d’œuvres est là pour nous donner des indications de regard (c’est l’équivalent du doigt qui montre la lune). Ce qui est important est ce qui est montré, pas tellement le doigt qui montre.

L.C.B: Pourrait-on qualifier vos peintures de paysages?

F.B: Oui, mais ce serait vraiment les réduire à un concept qui seul n’est pas suffisant pour appréhender ce dont il s’agit.

L.C.B: Quels ont été vos critères de sélection pour l’accrochage de cette exposition?

F.B: Impossible de loger la réponse en quelques lignes néanmoins je souhaitais une évidente cohérence entre l’espace de la galerie et un choix d’œuvres récentes.

L.C.B: De vos peintures apparaissent des signes de recouvrements, ou encore de chevauchements, vos créations se construisent tant par leurs surfaces visibles que par leurs superpositions voilées. Ces enchevêtrements induisent formellement le temps de création — et de regard — de ces œuvres, comme une volonté de représenter l’insaisissable?

F.B: Ha oui c’est une belle idée; ça me fait m’associer avec H. Michaux qui voulait dessiner la conscience d’exister et l’écoulement du temps. Je ne suis pas H. Michaux et ma volonté est aussi d’inclure dans mon travail du «représentable», du «saisissable»; vous saisissez?